你有被聲音砸過嗎？——C-LAB 聲響藝術節跨界大亂鬥

「臺灣人愛吃，在臺灣你可以吃到全世界的佳餚，知道這個國家、那個文化是這種味道，你才會慢慢體會到味覺原來有這麼多想像——那，聽覺也一樣。」臺灣聲響實驗室的促成者之一黃意芝，現為單位主任，也是 2021 年「C-LAB 聲響藝術節：Diversonics」的計劃統籌。她殷殷期盼，臺灣有一座餵養耳朵的實驗室，料理聲響的可能性。「只要有一個機會，打開它，讓身體經驗知道，聽不只是這樣而已。」

臺灣聲響實驗室企圖很大，研究領域囊括 VR、AR、Ambisonic、AI 以及穿戴式音樂手勢辨識，有創作計劃、教育課程與駐村藝術家等不同項目。接軌聲音結構工程師、當代音樂、聲音藝術等聲音創作者、研究者，成為技術跟創作的合作平台，企圖形塑系統性的生態。

今年聲響藝術節與臺中國家歌劇院合作，從聲音出發，在「舞蹈之聲」單元誕生兩組年輕耀眼的跨界製作：舞者洪翊博與作曲家謝賢德的《異相共存》，新媒體藝術家田子平與作曲家郭立威的《光之所向》。

街舞、現代舞、機械裝置、雷射光 feat.作曲家與聲音工程師，一場互相侵踏門戶的大亂鬥，即將開始。 

《異相共存》：我們來 jam 一下吧

「我超愛大亂鬥！！」

街舞 Boy 洪翊博，有多媒體設計學系背景，是與聲光共舞的老手。「我在想，如果空間跟聲音，可以隨著我跳舞的身體一起改變，那會是什麼樣的亂鬥狀態？」在臺中國家歌劇院時發展的舞作與光源互動，洪翊博在頭上裝了一個光感測器，「像是我跟光跳雙人舞」。到了藝術節，有作曲家謝賢德的加入，替這個作品加上一個全新的緯度。

「異相」這個物理學概念意指在特定條件下，不相同（固態、液態或氣態）物質間的狀態。謝賢德說：「這跟我們兩個很像，也跟這個作品很像。」肢體、聲音、空間、燈光，等各自存在的現象相融，產生化學變化。

對街舞陌生的謝賢德剛開始有點崩潰。「慘了慘了，到底要怎麼辦？」謝賢德心中的街舞是對準節拍、有力道，在一個既定風格框架，他擔心自己無法介入。「第一次排練，我就跟翊博說，欸，我們先來 Jam 一下吧！」洪翊博瞬間做出反應，順著謝賢德丟出的音樂素材把自己放進去。Jam 完後，謝賢德安心了。他發現洪翊博的街舞風格並非想像中的制式。

從國中三年級就開始跳街舞，洪翊博雖然喜歡耍帥，但在創作時，他渴望把想法融合其中，放進角色狀態與情節。「可能是這樣，賢德才會覺得我的街舞跟別人不一樣，有種現代舞的感覺吧！」

街舞裡也有故事性，洪翊博有點害羞又有傲氣地說，「我把自己設定成一名偏憔悴的狂戰士，我不斷跟環境戰鬥——」。

在《異相共存》，燈光、聲音和空間，各自獨立成表演者，洪翊博擬人化這些元素，自己則是推進劇情的角色。「聲音像石頭從我頭上砸下來，我要躲它，但我又要找它。我在柱子間穿梭，要跟空間對抗。音樂在揍我的身體，我也想去揍音樂。但我揍不到。」他跟這些元素搏鬥，追逐，彼此置對方於死地。與聲音、燈光與空間產生動態循環，沒有停止。

洪翊博對「循環」特別有感。他觀察與外在互動的日常就是給予彼此反應，然後不斷循環。「就像我們的每一天，睜眼、刷牙、有人叫你，你回答：幹嘛。」一個撞擊，一個回應，來來回回的奔忙與追尋，「對啊，就是我的每一天，大家也是這樣吧？」

把聲音砸到你身上

談到聲音工程，洪翊博有點耍賴地說：「我就會一直向賢德許願——」謝賢德冷靜回答：「我就會跟他說：可以、不行、可以、不行。」

洪翊博坦承自己在認識謝賢德之前，對音樂的認識很有限，只能透過許願，試探謝賢德的底線。「我要在這裡鋪一個聲音陷阱，聲音會埋伏我，然後我要剁碎它！或是我要聲音砰砰砰從對面跑過來，這個聲音要咻——過去，可以嗎？」謝賢德以雙耳虛擬環繞（Binaural）回應離奇的心願。

表演的場地是一個潮濕的地下室，過去作為防空洞的社創大樓，有嚴重的回音。為了製造音場效果，謝賢德放了一支收音麥克風在整個空間的中心點，所有觀眾都戴上無線耳機。「中心點的麥克風，可以細膩客觀地記錄現場外部聲音，就像是有一雙耳朵，代替現場所有人，站在最佳的收音位置聆聽，再透過耳機，送到所有觀眾耳裡。」

觀眾將體驗周遭自然聲的細微化，謝賢德說這種聆聽體驗會有強烈的放大感，「你會聽到自己的腳步聲、遠處救護車飛過的聲音，所以你不會有被困在地下室的感覺。」這個技術可以解決場地空曠，把聲音細節散掉的問題，又可以製造出被聲音包覆的沉浸音場。「翊博想要讓觀眾感覺聲音從上砸下來，或是被聲音穿過身體，在這裡我可以做到。」

謝賢德以聲音表演，觀眾看不到他，但他卻無所不在。洪翊博形容謝賢德在這個作品中，就是聲音的神。「他是一個高於聲音的存在，因為是他創造了聲音。」

在觀看《異相共存》時，觀眾可以任意遊走。洪翊博在這裡埋下一個哏。「我在想，當觀眾決定要站在哪裡時，他們在想什麼？」洪翊博觀察觀眾遊走的方式，「如果他們跟著引導，站上特定位置，那會不會是他們跟我一樣，被光和聲音控制了？」在精密的聲音、燈光與動線中，放上不能控制的觀眾變數，這一場戲外戲的安排，是表演，也作為一場實驗。

洪翊博和新媒體藝術家田子平，兩人同樣都是臺中國家歌劇院 Lab X 青年創作工作室的成員。我留意到洪翊博特別在節目冊上感謝田子平，問他是不是創作過程有向田子平討教創作？彷彿戳中痛點，他一臉崩潰。「喔——我——其實是問她要怎麼寫企劃書、寫補助、寫預算，寫這些我超崩潰！子平救我！我們像是一起考期末的同學。」

《光之所向》：人，神，科技

田子平當時在臺中國家歌劇院的成果是《The Sun》。她製作一個雷射光圈的環形裝置，像一顆溫柔的太陽，與一名舞者互動。在演出後舞者回饋她，相較於雷射光圈的環繞感，舞者的眼睛只有單面視野，難以全方位地與空間連結。「我當時就覺得，我需要一個更大的、包覆性的一個成份，輔助這個作品的發展。」

像是聽到田子平的發願，C-LAB 坐擁 360 度音場空間，加上駐村作曲家郭立威也曾經使用這種空間演出，他們決定攜手把作品進化，以 360 度的聽覺體驗，補強視覺的限制。

進化過程，田子平放入「寓言、神話」情節推進作品節奏。《光之所向》描述人類太過相信科技，而不相信自己的處境。「科技出於人本，卻被吹捧成一種信仰。我好奇，當人們有一天意識到，科技也不過如此時，人有沒有可能找回自己，或是更進階地凌駕於科技之上？」如太陽的巨大雷射光圈，象徵科技的崇高地位，兩名舞者分別隱喻人與神的身份。雷射裝置的揚升與殞落，象徵人、神與科技的關係轉變。

「我想要試著讓作品更有曖昧性。」她說科技藝術很容易直白地闡述技術本身，「要很即時的互動性，或是要馬上給觀眾一些回饋、反應的狀態。」但田子平希望她的作品能更朝感受性探去，觸發觀者不同感官的聯動。

「我一直很喜歡舞蹈的身體語言，它很神奇，不用運用任何技術，光看身體，我就可以非常有共鳴，起雞皮疙瘩甚至泛淚。」在《光之所向》兩名舞者穿梭在科技裝置與聲光的精密計算之中，田子平認為身體的存在，能使觀眾投射自身產生連結。「觀眾可以透過舞者的身體，去想像，如果那是自己的身體，那感覺是什麼？」

「我⋯⋯那時候聽到子平說這個神與人的劇情，我非常困惑。」郭立威的坦誠，引來田子平一陣大笑。

郭立威過去作曲都沒有故事，他習慣專注於聲音的演變過程，「它有一個脈絡，它有一個自己的生命，我通常不會設定任何故事。」如果聲音的組合帶給人一些幻想，那就是聽眾的事情。郭立威說得瀟灑，因此與田子平合作，他試圖打開不同體驗情境的方法。

要以聲音詮釋兩位舞者，他開始想像什麼聲音代表人類，什麼聲音代表神？「人類，應該會比較不穩定，但在不穩定中又有穩定性。」郭立威拿了一個聲音變成一個節奏，有時穩定持續，有時微微晃動，搖擺不定。

田子平一聽，立刻回應：「好像心跳！」聯想到心跳聲後，田子平體悟人其實充滿不穩定性，「人就是會有一個很奇怪的律動，就像我們可能會突然心情又不好、又很好。」收到郭立威音樂素材，反動田子平的創作觀念。兩人與作品，如另一種三位一體，互相牽引成形。

你有聽過很乾的聲音嗎？

《光之所向》的演出地點是一座戶外穹頂構築（DOME）展演空間，田子平說在這座音場結構中，聲音會呈現前所未有的「乾淨」。「如果你在裡面講話，你的聲音會完全是乾的，很抽離，一點回響都沒有。好像你丟出聲音，都沒有回饋。」

郭立威發現有些低頻，可以共鳴這個空間。田子平向郭立威提出有沒有可能藉由聲音頻率，讓觀眾在肌膚觸覺上，感覺到聲波震動。「我一直很喜歡被音響震到的感覺，麻麻的，就是覺得，爽！」實驗後，郭立威更進一步讓身體的震動發散到整座空間。「身體震動後，他們會發現自己存在的空間也在震動。」

 「和立威合作，我覺得會是長期的。在這段期間，打開我很多想像。」田子平說郭立威不僅在聲音專業上讓她開了眼界，也在聊天中分享他在加拿大的觀察。「他帶我脫離一個學院派的眼光，甚至帶我回到很純粹的狀態。」她說在做作品時，有時難免會想要炫技，但郭立威曾經建議她，「他說，其實我們可以運用一個素材，就相信那個素材本身的細節，把它放大、強化，不用做太多裝飾。在那之後，我思考事情都會想到立威給我的觀念。」

郭立威笑說：「作曲家也是會想要炫技啦！」在《光之所向》中，郭立威的挑戰是沉穩、不能有太多變化。「這其實不容易，作曲家會害怕聽眾覺得無聊。可是這個作品有劇情、有舞者、有視覺，聲音設計上就要更隱性。」把聲音的變化度減弱，反而要更精準的質地。郭立威形容，當一個聲音要存在很久，又不需要太多變化時，「那個聲音的本質、它的意涵，就很重要。」

誕生一座實驗室之前／之後

當創作者的創意隨著時代蔓生出新世代的樣貌，如何與科技在意識上、技術上結合，逐漸成為當代創作者面臨的問題。

在聲響實驗室成立之前，黃意芝觀察到這個缺乏，「我看到臺灣發展科技藝術二十多年了，沒有一個整合平台，多是以計劃補助的方式進行，我們希望能整合嫁接不同的工作系統，讓資源到位，永續發展。」人在法國的她，靈機一動，跑去向龐畢度藝術中心「聲響與音樂研究統合中心（IRCAM CentrePompidou）」敲門——有沒有可能，臺灣誕生世界一流的聲音實驗？

「我們知道我們缺乏，我們需要學習。IRCAM 是我們的陪伴者。」 黃意芝煞費苦心，要讓法方相信臺灣是來真的。來回周旋，內外溝通，終於在 2018 年時任文化部長鄭麗君與法方簽訂合作協議，2019 年臺灣聲響實驗室成立，同年舉辦第一屆 C-LAB 聲響藝術節。

實驗室有了，但技術人員和藝術家要實際操作，找到運用的方法，並不容易。「需要時間。我們還需要有自己的媒合機制，整合資源。」也因此，在 2021 年第二屆 C-LAB 聲響藝術節有更多靈活調度，讓不同專業的藝術領域合作、撞擊火花。如這次與臺中國家歌劇院的合作，前一年歌劇院推出「Lab X 青年創作工作室」，徵選青年創作者，以導師分組制陪伴創作。成果發表時黃意芝也在現場，她嗅到合作的機會。

臺中國家歌劇院通常是展示「成果」的殿堂，聲響實驗室則是反覆推敲的「過程」，互相拉拔跟撞擊，提出成熟度高又帶有實驗氣息的作品。創作過程與成果，可能在跨館際的合作下，成為一個循環的生態圈。

如果沒有這座實驗室，洪翊博不會遇到他的聲音之神謝賢德，田子平也沒有機會和郭立威一起在 360 度的音場中打造神話。藝術會永恆存在，科技也持續飛速更新，而它們的相遇，需要一座耐得住嘗試、不論成敗的實驗室。在這裡，他們沒有誰駕馭誰，科技與藝術在關係變化中找到暫時棲居的角度，借力使力，搭著彼此的肩，創造光靠自己無法誕生的新世界。

 

2021 C-LAB 聲響藝術節：Diversonics

展期｜2021.11.12（Fri）- 2021.11.28（Sun.）
地點｜臺灣當代文化實驗場、社會創新實驗中心、國家電影及視聽文化中心、國立臺灣師範大學禮堂