in微創 ╳ BIOS｜大師講堂電影職人篇──燈光指導陳志軒（下）

（接續上篇）

經過 10 年磨練，他在 2010 年參與《命運化妝師》時正式升為燈光指導，而先前《艋舺》的拍攝經驗，則帶給他特別顛覆性的成長，「和攝影師 Jake 在觀念上一開始有點衝突，我原本認定國外攝影師不那麼了解台灣文化，所以我打出來的燈光跟他想的不同，但有時衝突是好的，可以互做調和。第一週拍完去看 TC，我就能認同他的理由，他是想用色彩來讓那個時代的富麗輝煌跳出來。」陳志軒說，因為台灣拍過的年代戲都偏向深沉、灰暗，直到那次合作，才讓他跳脫過去傳統藝術片的調性，並且發現在夜戲時，環境裡的霓虹燈和車燈實是影響最多的光源，而不是非得制式地模擬月光不可。

了解導演之前的作品、揣摩他喜歡哪類的東西、分析劇情氛圍，這些都是陳志軒的準備工作，「我讀劇本時每場戲都做了滿多功課，場次之間怎麼連結，會在開拍前就設定好，我不會到現場才做燈光的調動，就不會浪費大家時間。」電影場面有早中晚之分，一天當中，每個時間光線的顏色、質感都不同，需視現場環境適合什麼光源，去還原它而不是重新創作。舉《KANO》一場球隊夜間練習戲為例，考量到時代背景，不該存在燭光以外的光源，而陳志軒又不喜歡所謂的「月光」，他轉而模擬城市中的散光效果，先將一層淡淡的底光鋪好，再輔以很多蠟燭來營造氣氛。之所以能有迅速精確的判斷，都是經驗累積，之前他拍攝學生短片《下落村的來電》，為了呈現整座村子被偷電的狀況，他發現只需打一個飽足的底光就能非常自然，更重要的是因應攝影機特性做調整。「現在很多年輕從業人員是畢業後直接做燈光師、攝影師，但他們對技術本位並不了解，就像吃一碗米飯，卻不知道米是哪裡來的。有人會往回想、鞏固基礎，也有人不覺得要去了解助理做的事，我覺得還是要有進階式的訓練。我們來自底片時代，很少去看 monitor，光比還是眼睛看比較準，數位的範圍太大，出來的東西都是平的，現在很多攝大助沒看 monitor 就跟不了焦，但我們以前的訓練是靠絕對距離感。」數位化之後由於機器感光度提高，有人開始認為燈光不重要，但絕非如此，當光比更不好抓，要怎麼遮、怎麼做出層次，都是專業學問。

拍電影是工時極長的職業，必然會壓縮與家人朋友相處的時間，堅持投入這個行業的人，總會不可避免地感到孤單，「其實真的很苦，但你要從中找到樂趣，把它當作一生的事業而不只是工作，我是因為熱愛拍電影而拍。」去年，陳志軒在家鄉澎湖拍攝《落跑吧愛情》，除了能在最熟悉的環境裡怡然自在地工作，也因身為當地人，而有更多資源、福利可供運用，讓拍攝更順利進行，「覺得有幫到導演和攝影師的忙，所以蠻開心的，更滿足的時刻就是看到電影成果，特別是在工作人員首映場，看到大家的反應會讓人更感動，每個畫面都充滿當時的心情和回憶。」他接著想起《KANO》殺青戲那天的情景，當劇組上下看著數月以來的側拍花絮，所有人都激動地流下眼淚，畢竟拍片是長期的同甘共苦、每天生活在一起，對團結而有向心力的劇組來說，片場已經不存在組別或階級的觀念，大家是共同體，再苦也能一起撐著。

多觀察、多體驗不同的環境，這是陳志軒自我前進之道，他之所以熱愛拍電影，是因為想法可以不受侷限，「有的劇本非常平，但鏡頭跟燈光可以針對每個演員的特性去設計，這就是可以玩的東西，當劇本沒那麼跳，就要靠運鏡來吸引觀眾。」在燈光或者任何技術領域，固然有師傅傳授的經典招式，但仍然可以靠自己的思考達成一樣的效果，就算只是小小的助理，也能找到自己的方式來完成每一項工作，甚至是現實生活中無法講的話，無法實現的事，都能在影像中被創作出來。「很多燈光人員會把自己當工人，但其實不是，我們可以做出很細膩的東西，這是當電影人最棒的地方。」距離拍攝現場不遠處的校園林蔭下，從業 15 年的陳志軒下了這樣的註解：所謂電影夢，是夢想藉電影還原理想中的生活。